从“注水剧”到“跳看时代”，我们离精品剧还有多远？ -

《漫长的季节》凭借12集的体量赢得口碑，《我的阿勒泰》则以8集的篇幅打造诗意影像，市场已清晰传递出观众对优质内容的持续追求。这场关于"剧本质量困境"的讨论，最终指向的或许不是行业困局，而是一次创作升级的转折点——短剧浪潮倒逼内容精耕，跳看功能推动叙事革新，现实主义与艺术想象在影视创作中形成新的共生关系。作者｜毛浩宇 编辑｜小白 排版｜板牙 本文图片来自网络

面对"剧情冗余""悬浮式结局"的普遍质疑，以及"三分钟追完一部剧"的短视频切片现象，影视行业正经历着对"优质内容"的深度反思。短剧发展、资本运作、创作话语权的博弈……究竟是哪些因素正在影响剧本质量？《四味毒叔》特邀资深编剧余飞、袁子弹、孟婕展开专题对话，聚焦行业痛点，从"长短剧模式之争"到"现实主义创作瓶颈"，从产业链条到文本本质，以专业视角揭示影视创作的深层逻辑。

01 长剧短化现象：是回归本质还是市场妥协？随着《我的阿勒泰》《漫长的季节》《新生》等短剧集的成功播出，加之某平台网传12集以上剧作将受限的消息，使得"短剧集"（亦称"迷你剧"）概念深入人心。这一趋势不仅改变了影视作品的呈现形式，更在无形中推动着长剧集向短剧集的转型，引发关于创作模式的广泛讨论。

当前国内对微短剧、短剧及短剧集的分类标准尚未形成统一界定。本文采用的"短剧集"概念，指代单集时长约为40分钟、集数范围在10至16集之间的剧集形式；而"微（短）剧"则特指单集时长1至10分钟、通常包含30至100集的短剧类型。

编剧余飞对行业现象发表看法时表示，剧集长度延伸实属正常发展，如同日常饮食般自然，无需过度讨论。他指出，过去剧集过度冗长的现象，源于部分资本方与创作者在单个项目中追求超额利润，倾向于通过延长篇幅来提升收益。这种商业逻辑逐渐影响创作心态，导致行业陷入浮躁氛围，最终衍生出诸如"注水剧""悬浮剧"等质量问题。

编剧孟婕表示：“这为她带来了新的创作契机。”她指出，传统长剧集以长篇幅展开叙事，而短剧集则强调短话短说，这种形式上的转变本质上是“内容表达方式的回归”。她透露，目前正着手推进多个原创项目，原本计划以三十集的体量呈现完整故事，现在则开始探索能否通过十余集的篇幅实现同样效果。

编剧袁子弹表示：“我对当前的调整感到十分坦然。过去剧集长度较长，主要出于单集制作成本及利润回收的考量。缩短体量有助于推动电视剧向精品化发展，更聚焦于故事本身的深度与质量。”回顾中国电视剧的发展历程可以发现，早期剧集普遍篇幅较短，多集中于10集以内。以1981年播出的《敌营十八年》为例，该作品仅有9集，每集时长约为35分钟。此外，从上世纪80年代初至90年代中期，国产电视剧的集数范围主要在1至20集之间，40集以上的长篇剧作在当时极为罕见。

从某种意义上讲，长剧集向短剧集的转型可被视作一种“回归本质”，或者说“重拾创作初衷”。这种回归不仅体现在形式层面的转变，更凸显了行业对高质量剧集创作的迫切需求与积极追求。关于长短剧集的博弈是否会演变为多元共生的局面，值得深入探讨。相较于短剧集，微短剧对长剧市场产生的冲击更为显著。若说“长剧集变短剧集”仍局限于内容形态的调整，那么当我们将视角扩展至长剧与微短剧的生态竞争，编剧群体又该如何重新审视这一行业变迁？

根据《2024年中国微短剧产业研究报告》数据，2024年中国微短剧市场规模突破504.4亿元，首度超越电影票房总额470亿元。这一现象引发了产业界对"长与短"创作模式的激烈讨论。孟婕分析认为，当前微短剧更侧重于满足观众的情绪需求，而非深度构建叙事结构。然而，其"轻快短小"的叙事风格及情感共鸣能力，为长剧创作提供了新思路。值得关注的是，微短剧在吸收长剧叙事技巧的同时，也应着力提升艺术表达深度，实现从"情感满足"向"艺术表达"的升级。

在微短剧《家里家外》的剧照中，孟婕提出了一个核心观点：不同形式的创作应相互借鉴、共同发展。她以小说的分类方式为喻，认为戏剧创作同样需要长剧、中剧和短剧的划分体系。随着行业发展，微短剧或将逐步融入传统剧集体系，扩充剧种分类，实现与长剧的协同发展。余飞则从产业角度指出，红果短剧自2023年问世以来，凭借创新模式在两年内迅速崛起，改变了行业原有的流量运作规则。其采用的免费观看策略正在重塑整个生态体系。据余飞预测，当红果短剧发展成熟后，或将进一步整合资源，涉足长剧制作领域。他认为微短剧最终会演变为剧集产业中的重要细分赛道，培育出具有行业影响力的头部作品。

袁子弹认为，长剧集与微短剧的竞争已上升为一个更广泛的议题。她指出，长剧集所面临的挑战不仅来自于微短剧，还包括游戏、电影、舞台剧、话剧、网文、动漫等所有能够吸引观众注意力并触动人心的艺术娱乐形态。在她看来，这场竞争核心在于艺术质量的较量——唯有那些更深入挖掘人性、更能引发观众共鸣的作品，才能成为主流的文艺表达。不过，袁子弹随即强调，这种竞争并非零和博弈，而是一种良性互动。她认为，最终的演变将是渐进且自然的，而非刻意为之的转折。她不认为长短剧集的对立会持续到底，也不认为两者会彻底融合，从现实观察出发，她更倾向于认为所有艺术形式都将以共存的方式长期存在。

余飞目前正身处澳门进行生活体验，为筹备一部新的赌博题材电视剧积累素材。她表示跳看其实也是一种促进创作的方式，能够帮助自己更深入地观察和思考。"只要内容足够吸引人，观众是不会轻易跳过观看的。就像我第一次到澳门，听说有美食，不管多远都会去品尝"，余飞笑着分享道。

孟婕在观看《喜剧大会》中呈现的小品《电影消亡史》后表达了深刻见解，认为当前部分影视作品存在忽视表演技巧、叙事逻辑及细节打磨的现象。若持续发展，这类作品将如同仅呈现故事大纲般缺乏生命力。与此同时，观众审美水平不断攀升，对剧作质量的要求也日益严苛。然而，孟婕仍对未来保持乐观，坚信优质内容终将获得市场认可，强调具备深度、广度与人文关怀的作品方能经久不衰。

袁子弹对观众跳看行为的成因分析更具批判性，指出若剧作本身缺乏吸引力，即便未设置跳看功能，观众仍可能通过倍速播放或弃剧等方式应对。他特别提到，优质剧作会激发观众反复品鉴的欲望，以《凡人歌》为例，其真实情节引发的"扎心"反馈恰恰印证了现实题材的创作价值。值得注意的是，部分导演对跳看功能持否定态度，认为这损害了创作者的表达尊严，但三位编剧普遍认为该功能体现了平台对观众观影习惯的适应，实质上是观众在倒逼创作者提升作品质量。

关于现实主义创作的适用范围，袁子弹主张不应将现实主义框架强加于所有题材类型，认为过度强调现实视角可能陷入经验主义误区。她指出观众对新鲜感和多元表达的需求，特别提到仙侠剧虽可与现实产生某种呼应，但未必需要采用现实主义风格。孟婕则认为，尽管观照现实具有现实意义，但讲故事本质是构建理想化场景，创作者应明确作品的核心价值。相反，余飞和王小枪等编剧坚持现实主义创作的必然性，认为所有题材都需建立在真实基础之上，同时应保持客观平衡，避免陷入极端写实或完全虚构的误区。

袁子弹直言不讳地指出，不同类型的作品需优先完成该类型固有的基础任务。以偶像剧为例，其首要职责是为观众构建情感幻想空间，只有在完成这一基础功能后，才能进一步尝试现实主义的"拔高"表达。若跳过基础任务直接进行拔高，则如同囫囵吞枣，最终呈现的结果必然偏离类型本质。谈及创作本质，袁子弹强调创作者应忠实表达个体感知体验，当这种表达能够引发社会讨论或价值争议时，恰恰证明了创作的价值。但需注意，这种表达的价值并不等同于要求观众必须接受相应的价值取向。优秀的编剧应具备倾听观众反馈、总结创作经验的能力，但过度迎合舆论则会侵蚀创作独立性，当所有声音都被纳入考量，艺术创作的边界反而会消失。

孟婕从观众心理角度进行剖析，指出像《凡人歌》这类现实题材作品虽源自编剧的深入调研与生活经验，但部分观众因缺乏相似经历，容易产生“浮夸”的误解。例如她参与创作的婚姻题材剧，四十岁以上群体往往能产生共鸣，而二十多岁的观众则可能难以理解其中内涵。然而这种认知差异难以调和，毕竟影视作品需面向全年龄段受众，即便真实再现生活场景，仍可能因接受度问题引发争议。她强调，唯有创作者保持真诚态度，尊重自身内心表达，方能真正打动观众。

关于“为何近年缺乏优质剧本”的问题，编剧界“维权斗士”余飞给出了深刻见解。他指出行业协会未能发挥应有作用是核心原因，维权困境尤其体现在署名权被随意篡改、无名编剧缺乏议价能力等现象普遍存在。在创作环境日益复杂的当下，编剧不仅要专注作品本身，更需主动拓展影响力，因为缺乏知名度意味着失去与制作方博弈的资本。余飞坦言：“剧本创作本就艰难，结果完成后再被各方反复修改，最终面目全非。”他还提到行业环境的不确定性和混乱感，导致编剧群体普遍处于焦虑状态，这种心理波动直接影响创作质量。

当被问及如何改善行业现状时，余飞给出了务实回应。他否定了单纯呼吁行业保护的思路，认为从业者自身都在应对生存压力。他寄希望于平台方的良性发展：“唯有平台做大做强、实现转型升级，才能将微弱的创作力量转化为持续的能量。因为编剧处于创作前端，平台则承担着承载与推广的后端责任。”

孟婕认为，优质故事的核心在于“新”。《士兵突击》之所以能引发广泛关注，不仅源于其高水准的制作，更在于它填补了当时市场上缺乏的军旅题材创新表达。然而若现今推出《士兵突击2》，恐难以获得同等反响。她强调，“新故事、新人物、新表达”才是衡量作品价值的关键标准，正是基于这一逻辑，《漫长的季节》与《我的阿勒泰》等创新之作才得以诞生。

孟婕指出，在平台审核项目时由于新项目缺乏数据基础和可参考的行业案例，往往难以获得应有的支持。她强调，作为创作过程，创新是核心价值，因此呼吁编剧、导演、演员、制片方及平台方共同面对当前行业面临的多重挑战——包括人工智能技术带来的冲击、短剧模式的快速崛起，以及观众审美趣味的持续演变，主张全行业应加强协作，以创新精神突破发展瓶颈。

袁子弹则从创作实践角度分析，主观层面创作者在单个项目中投入的精力较以往显著下降，导致难以进行长时间的生活体验与剧本打磨；客观层面则受到资方提供的创作周期限制、审查机制的规范约束及流程透明度不足，再加上拍摄环节与导演、演员等团队的协调成本，多重因素叠加影响着剧本创作质量的提升。

袁子弹指出，编剧在行业中的话语权长期处于缺失状态，致使许多创作者只能被动接受剧本被不断修改的现实，即便心有不满也难以有效干预。面对外部环境难以改变的现状，他强调编剧应更加专注于提升自身作品的质量。在行业高速发展的时期，从业者曾享受到丰厚的回报；而如今行业进入调整与挑战阶段，更需要积蓄力量、夯实基础、重视个人成长，并通过团结协作共克时艰。

结语：当《漫长的赛季》以12集的篇幅成为现象级作品，《我的阿勒泰》用8集构建出诗意的影像表达，市场已经清晰传递出信号——观众始终保持着对优质内容的期待。这场围绕“剧本危机”的探讨，或许不应导向悲观情绪，而应被视为推动行业自我革新的契机。短剧的爆发式发展促使创作向精品化转型，快速浏览功能的普及倒逼内容深度与质量提升，现实题材与创意想象在当下呈现出共生共荣的趋势。正如“危机”一词所蕴含的双重性，挑战与机遇始终如影随形。当业界共同努力摆脱“快餐化”标签，我们或许距离下一部《繁花》的诞生，只差一次真挚的“双向奔赴”。